Where is home? Hvor er hjemme? Hvor kan jeg føle mig hjemme? Hvor bestemmer jeg mig til at slå mig ned? I disse spørgsmål er der sammenfattet et væsentligt spørgsmål, som sandsynligvis angår mange af os. Et problem som Heike Arndt har gennemlevet dybt – og som hun sandsynligvis stadig lever med – i sin historie som kunstner. Kunstneren er født og uddannet Østtyskland, hvorfra det lykkedes hende at slippe ud da hun var 21 år, fem år før Muren faldt, og hun har slået sig fast ned i Danmark, men har især prøvet at måle sig med verden, med rejser og arbejdsophold, i nær kontakt med kunsthåndværkere og kunstnere i de forskellige lande, som hun efterhånden har besøgt (Italien, Belgien, Holland, Grønland, Etiopien, USA, Sydamerika, Sverige, Finland, Spanien og, for ikke så længe siden, i 5aar, Kina), hvor hun efterhånden fandt frem til foretrukne steder, som hun kunne vende tilbage til regelmæssigt for at konfrontere sig med teknikker og materialer. Den forståelige uro der karakteriserer denne rejsen rundt har dog et sikkert holdepunkt, et “hjem” der ikke kan opstå tvivl om, og dette hjem, som er hele verden, er kunsten. Inde i den genfinder Arndt altid sig selv, når hun modellerer sine terracotta arbejder og derefter venter på resultaterne af brændingen og på styrken i farvepigmenterne og glasuren, når hun konfronterer sig direkte og med stor energi med maleriets farver og tegn, når hun forbereder pladerne til grafikarbejderne, når hun laver sine skulpturer til bronzestøbning.

Og det er derfor kunstneren kan føle sig hjemme overalt, selv om hun kan betragte sig som grænsekvinde, mellem øst og vest, der har assimileret disse ”ikke steder” steder i sig, disse abstrakte enheder, der er blevet gjort konkrete udelukkende ved de oplevede erfaringer. En kvinde med tusind steder og med tusind møder, som kalibrerer sin eksistens og sin handlen på det menneske, hun nærmer sig, åben overfor sammenligning i overbevisning om at “respekt, tolerance og accept af den anden er betingelsen for at overvinde kulturforskellene udover at være en nødvendighed for at overleve i en verden, der er globaliseret som vores”. Netop derfor grundfæster Arndts værk sine forudsætninger i de indbyrdes menneskelige forhold. Mødet med de andre, uden nogen distinktion, er fundamentalt for hende. Fra disse møder drager hun følelser og fascination, der omdanner sig til tegn og farver (eller til materie), i søgningen efter og i den udtryksfulde gengivelse af tilnærmelser, sammenligninger, modstande, mangel på forståelse, arrogance, kontakter.

Fortolkningen af situationerne, som kunstneren foretager i sine værker, er meget opmærksom og selv om den undertiden kan virke tung og hård, fremfører den sig altid som opfordring til en positiv reaktion, i den overbevisning at netop i mødet mellem forskellige situationer (og mennesker) lægges grundlaget for en positiv måde at leve sammen på.

Arndts syn opstår fra en dyb etisk og moralsk følelse og skaber en beslutsomhed i hende, som sender nervetråde ud i både hendes liv og hendes kunst og hver eneste dag sætter hende i kontrast med sig selv og med verden, svævende og desorienteret mellem den lykke hun ønsker for alle og alle de problemer, der udløser misforståelser og konflikter på alle niveauer.

Fortællingerne, som måske knap nok er antydet i malerierne og i skulpturerne, har alligevel i sig selv styrke til stimulere beskuerens tanke. Snarere end at give et svar stiller de et spørgsmål, som hver enkelt bliver opfordret til at svare på.

Arndts kunst har dybe rødder, den tager form inden hun er ti år gammel, hjemme hos bedstefaderen, som følger og stimulerer hende efter at have forstået hendes naturtalent. Da hun seksten år gammel flytter hjemmefra er hun allerede nået frem til en god teknisk udtryksevne til at gengive blomster, landskaber, portrætter, en evne hun hurtigt overfører i fremstillingen af sine keramiske arbejder, og på værksteder og hos berømte kunstnere lærer hun de mest forskelligartede teknikker, fra bearbejdelse af ler til applikation af pigment og glasur, og til sidst brændingsmetoder. I nogle år udvikler kunstnerens opmærksomhed og hovedarbejdsindsats sig på dette område – som hun i øvrigt genfinder og genlancerer i de følgende årtier, da hun blandt andet også arbejder i kendte italienske værksteder som f.eks. Mazottis værksted i Albisola og Lorenzinis værksted i Savona. I Ligurien, hvor hun lever som en datter hos Ansgar Elde (en ven af Asger Jorn) og i hvis værksted i Savona hun har arbejdet i i næsten 20 år laver hun også grafikarbejder i det berømte Stamperia del Bostrico di Albisola. I anden halvdel af 80erne vender maleriet dominerende og definitivt tilbage, i hvilket kunstneren udnytter nogle af de ting hun har lært i eksperimenterne med keramik. Især bliver brugen af stregen væsentligt: det er det element der prenter figuren eller blot skitserer dens omrids og giver dynamik til helheden. Dog er opnåelsen af en figurations uformelhed betydningsfuld, den sætter hendes maleri ind i fuld samtidighed og opnår på en gang muligheden for at fortælle og først og fremmest for at “leve”  og derefter at videregive de følelser, der er skabt af virkelighed og tilfældige situationer, men også af erfaringer og minder, der dukker op fra dybet og er et udtryk, som er fuldt af hendes historie. Dette fører til udtrykseffektivitet, som sætter sit præg, fordi det først forvirrer øje og sind hos den, der betragter, og derefter påkalder sig opmærksomheden og fører den ind i den malstrøm, der skabes af farverne og af den kraftfulde tilsyneladende forvirrede udarbejdelse, som karakterisere arbejderne.

Inde i hendes maleri er det som om man på den ene side, lige som et fjernt ekko, bør genlæse de erfaringer som de tyske ekspressionister har gennemlevet i de første tiår i 1900 tallet og på den anden side dem, der har udviklet sig i den umiddelbare efterkrigstid i repræsentanterne for CoBrA gruppen, der var aktive i København, Bruxelles og Amsterdam. Brugen af de kraftige farver der virker stærkt, og som ofte styrkes af et skarpt grafisk tegn, karakteriserer arbejderne hos kunstnerne fra Die Brücke (1906) - Ernst-Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff og også Emil Nolde og Max Pechstein – som virkede i omegnen af Dresden, og hvortil kunstnerne fra Der Blaue Reiter nogle år senere gav ekko, i en logik der var lidt anderledes og som var rettet ind på abstrakthedens vej. Der Blaue Reiter er grundlagt i München i 1911 af Franz Marc og Vassily Kandinsky, og også Klee, Macke, Jawlensky, Münter, Werefkin sluttede sig til den retning. Spændinger og stræben af social og politisk karakter sammen med søgning efter en kunst, som er fri for begrænsninger af nogen som helst art, er det grundlæggende i Die Brücke’s fødsel, såvel som udviklingen af Der Blaue Reiter. Mens farven dog for de førstnævnte udtrykker kunstnerens raseri mod hans tids situation, bliver den for de sidstnævnte et instrument til åben skabelse, langt ud over fremstillingens realistiske valens. Og i den primitive skulptur genfinder kunstnerne den plastiske transposition af deres søgen og af deres ekspressive hensigter.

Også CoBrA kunstnernes aktion, der ligger lige efter krigens ophør og som derfor også har kritiske og provokatoriske motiveringer, benytter farven, ofte stærkt markeret i en absolut materiel udarbejdelse, som et vægtigt moment for ekspressionismen. Især i denne anden fase synes billedet, der fødes, trods det at det lever af underforståede hentydninger til det virkelige, at ville rive sig løs fra det virkelige og skabe budskaber, der gøres opfattelige snarere ved de levende suggestioner end ved den ligefremme fortælling.

Hvis vi igen ser på Heike Arndts liv, forekommer det næsten naturligt at visse påvirkninger og udtryksformer, der er modnet i så fjerne år, kan have indvirket på den dybe kultur og have ført til kompositionsresultater, der viser tilbage til disse læremestre og til disse værker. Arndt har været på de samme steder, har været smertefuldt gennem lignende situationer, har på en tydelig måde søgt sin egen selvstændige udtryksmåde. Hun har ladet blikket løbe rundt og har til hensigt ikke blot at lade sin egen frie ånd komme til udtryk, men også at tale for dem, der ikke har nogen stemme. Det er derfor at hendes malerier fyldes med figurer, der søger efter en egen individualitet, der slipper væk fra eller prøver at slippe væk fra bånd og undertrykkelser, fra overgreb og misbrug, skikkelser som ofte går i et med miljøet og som kun få streger og signaler gør det muligt at genkende. Desuden synes også holdningerne hos skikkelser, man dårligt nok kan finde, meget vigtige. Sammenfiltrede i sig selv inde i et puppehylster, som man ikke ved om er et tilflugtssted eller et fængsel, forladt i et langt og ugæstfrit landskab, omfavnet af andre skikkelser for at få en anelse varme, i ensomhed midt mellem de andre ligesom barnet i Without words…, alene blandt så mange mennesker, faret vild i et landskab hvor Munchs angstfornemmelser synes at komme frem, mens skyggerne breder sig over markerne. Og ofte er kernepunktet i kunstneres komposition og tanke det lille barn, som risikerer at blive alene tilbage, og den kvinde, som lukker sig i sig selv, som sænker hovedet, som mister sin egen individualitet.
Kunsten – synes kunstneren at sige med sine værker – er ikke kun farve og tegning, maleri og tanke, den er eftertanke og klage. Kunst er stemme … Stemme for mig og stemme for dem, der ikke har nogen stemme, eller for dem der har mistet stemmen ved at blive ved at råbe uden at blive hørt.
Men for bedre at forstå kunstnerens engagement vender vi tilbage til udstillingens titel: where is home?
Det er ikke en tilfældig titel, en titel der er valgt som lokkemiddel. Den genspejler en overvejelse som kunstneren har gjort sig i mange år og på hvilken hun opbygger sit arbejde. Det er et universelt spørgsmål som alle menneskers liv afhænger af. Det er en anmodning ikke kun om et fysisk hjem, men også op det mentale aspekt i virkeligt at være hjemme (lige meget hvor og hvordan man er). Selv om man befinder sig flere tusind kilometer hjemmefra det fysiske hjem kan man føle sig mentalt på det rigtige sted (hjemme), fordi man føler at der bliver taget imod en, på samme måde som man kan føle en afgrundsdyb fjernhed på et sted som udelukkende tilhører en selv. Så bliver man klar over, således som det allerede er antydet i begyndelsen, at et hjem ikke er lavet af mure eller af lervægge eller af telte, men af relationer og således af evnen til at forstå: bevægelser, sprog, måder at opføre sig på. Heike Arndt har oplevet alt dette i sit liv og har bearbejdet det dybt i sindet i årevis, og hun er jo styrket af den oplevelse, der har ført hende langt bort fra hvor hun er født, som har integreret hende i et land der er forskelligt fra hendes eget, der har tilladt hende at rejse og at måle sig med vidt forskellige mennesker, kulturer og måder at leve på. Ved disse kontakter og med de udvekslinger, der følger, finder hun stimulering og temaer til sin måde at skabe kunst på.

Den udtrykkes i farvernes livlighed, hvor rødt og blåt altid dominerer, varmt og koldt, der også giver mening til de andre ting i billedet. Vibrationerne, der opstår af farvekontrasterne og af penselstrøgene, snart lineære, snart omslyngende, understreger den konstante dialog mellem kunstneren og det behandlede emne. Jeg tror, at overførslen hjerte-tanke-hånd-lærred er direkte; der er ikke nogen farve der løber ud, der er aldrig penselstrøg, du føler er unødvendige, overflødige, uforståelige, der er ikke tilfældige ting, men ethvert element indføjer sig snarere i den samlede atmosfære med naturlighed.

Således oplever kunstneren selv de værker, som hun fremstiller, som ’luggage’ – dette er titlen på en lang række arbejder – dvs. som elementer i en bagage, der især er mental, som kendetegner hendes væsen, i en bagage lavet af erindringer, af symboler, af dybe erhvervelser (sociale, kulturelle, fra familien), af belæringer. En bagage der helt og udelukkende er hendes egen, der virker som filter, gennem hvilket hun kan fortolke virkeligheden og begivenhederne, og som bliver fundamental for at finde de veje, hun skal følge i sin søgen efter det hjem, hvor hun definitivt skal være.

Farvens rolle, med de undertiden tykke, undertiden næsten gennemsigtige lag, er uden tvivl vigtige for at tiltrække opmærksomheden. Men hendes måde at fortælle på, med ganske små streger, med ganske små ting, som på en særlig måde kendetegner Arndts grafiske værk, er ligeså betydningsfuld og intens. De forskellige graveringsteknikker, som kunstneren benytter mesterligt, også ved at kombinere dem med hinanden, giver hende mulighed for at modulere fremstillingen. Snart insisterer hun på billederne og binder dem sammen ligesom ekspressionisterne, snart arbejder hun med lethed på figurerne, næsten som om hun er bange for at forstyrre dem i deres enfoldighed. Både når de hører til maleriets farvede verden og når de kommer mindre voldsomt til syne i grafikken, præsenterer hendes personer sig i deres naivitet, nærmest som om de er tegnet med skødesløshed, tættere på beskrivelsen af det, som et barn kan lave af dem, end af resultater, der kan lede opmærksomheden hen på en maler. Netop genvindingen af barndommens naivitet giver yderligere friskhed til disse malede tanker, til disse visioner, hvor der bare skal en lille knapt antydet genstand til at sammenfatte en lang og indviklet historie. Endnu flere elementer – og, overraskende nok, endnu skarpere – er blæktegnene, hvor stregen er et klart, rent men også hårdt sprog. Disse tegn kan anses for at udgøre summen i hele Arndts søgen og poetik. Alt kondenseres og koncentreres: farverne suges ind i det hvide og sprogets sårbarhed gør hver ting endnu mere sand og overbevisende. Og også du, der betragter, kan ikke forblive uberørt.

Det er stadig på denne bane og med disse hensigter, at kunstneres skulptur også konfronterer sig med rummet. Og her koncentrerer den sig om to temaer: mennesket og bevægelsen. Menneskets holdninger; der drømmer, der taler, der slapper af, der venter, der råber … Et menneske der synes at stige ud af blad, ”klippet ud” af en overflade og ladt frit til at identificere sig med sit eget hjem, som det vil, og hvor det vil. Mennesket i individualiteten, som næsten overrasker i Arndts liv, og som jeg tror er forløber til en ny plastisk årstid, hvor disse udklippede mennesker enten vender tilbage til det imaginære blad eller – som frie og selvstændige mennesker – bliver i stand til at skabe en imaginær “bog”, hvor historierne flettes ind i hinanden i de tre reelle dimensioner, og de enkelte huse, altså “hjem”, til sidst ganske langsomt bliver til en landsby. Men de skal komme ud af deres puppehylster, hvor også de andre personer er presset sammen, og du ved ikke, om de er gudebilleder eller fanger, frø eller projektiler. Gådefulde og intrigerende figurer, der kommer direkte fra visse værker, der er malet i Kina. Det er tydeligt den orientalske støbeform, her aristokratisk, som jeg mener at genfinde i folkelig version i vognene, der udgør den anden front i kunstnerens plastiske fortælling.
Hvis der var lidt af en gåde i “puppehylstrene” (hvor titlen ’luggage-bagage’ vender tilbage med sine utallige og mulige betydninger), må jeg sige, at også i denne parade af vogne – forskellige, elementære, næsten legetøjsagtige – kommer man til at spørge sig selv, hvad de betyder, og hvor de fører hen. Derefter opdager du, at deres struktur er lavet sådan, for at de kan blive til en kæde - og så , måske, står kunstnerens hensigt klar.

Det er med vilje, at jeg har gemt de store keramikfade, hvis historie har fællesskaber med Arndts liv, til konklusionen, fordi keramikken, især i begyndelsen, har været et foretrukket udtryksmiddel. Af og til vender denne passion for leret, der kan formes og derefter fyldes med hendes egne historier, tilbage. Det er de samme historier, der går gennem malerier, skulpturer og tegninger. Disse historier kan også bruges som farvepalet for tanken, som et landskab for sindet. Med lidt grænseovertræden til abstraktionens verden når den sit højdepunkt i livet spiral, hvis løb mod et indre, der rækker ud mod et uendeligt fjernt punkt, eller mod et ydre, der stræber efter en uendelig udvidelse, overlader mennesket den vished, at dets vandren under alle omstændigheder aldrig hører op.

English
HEIKE ARNDT - Where is home?

 Where is home?  Where can I feel at home? Where do I decide to stop? These questions epitomize an existential issue that probably affects many of us. It is an issue Heike Arndt has experienced profoundly - and probably still does - in her history as an artist. She was born and trained in East Germany, from which she managed to escape when she was 21, five years before the fall of the Berlin Wall. The artist settled in Denmark, but above all sought to confront the world by travelling and spending periods of work in close contact with craftsmen and artists in the various countries she visited (Italy, Belgium, Holland, Greenland, Ethiopia, the United States, South America, Sweden, Finland, Spain and, more recently, for five years, China), gradually identifying special places which she visits regularly in order to explore techniques and materials.

The understandable disquiet that fuels these wanderings has a secure frame of reference, a "home" about which there are no doubts, and this home, a world in itself, is art. Inside it Arndt is always at home: when she models clay and then awaits the results of firing and the effects of pigments and glazes, when she uses the colours and signs of painting directly and with great energy, when she engraves plates for graphics and makes her sculptures for casting in bronze.

This is why the artist can feel at home everywhere, though she can be seen as a woman working on the confines between East and West, who has assimilated  these places/non-places, abstract entities made concrete only by lived experiences. A woman of a thousand places and a thousand encounters, who calibrates her existence on the people she approaches and their work, open to debate with the conviction that “respect, tolerance and acceptance of others are the conditions for overcoming cultural differences, besides being necessary for survival in a globalized world like ours.” This is why Arndt’s work is underpinned by principles resting on human relations. Encounters with others, without distinction, are essential to her. From these encounters she draws feelings and ideas that are transformed into signs and colours (or matter), into research and the expressive representation of approaches, comparisons, resistances, misunderstandings, arrogance and contacts.

The interpretation of the situations which the artist presents in her works is closely focused; and though it may sometimes seem heavy and harsh, it still stands as a positive reaction to stress, in the belief that her encounters with different situations (and people) lay the foundations for a new and productive coexistence.

Arndt's vision stems from a profound ethical and moral insight and gives rise to a determination that strengthens both her life and art and brings her into conflict every day with herself and the world, suspended and disoriented between the happiness she wishes for all and the problems that trigger misunderstandings and conflicts at all levels.

The narratives in the paintings and sculptures may be barely mentioned, yet they embody the power to stimulate the mind of the viewer. Rather than proposing an answer, they ask questions which everyone is called on to answer.

The roots of Arndt's art go deep. It began to take shape when she was not yet ten years old, in the home of her grandfather who guided and encouraged her, with a keen appreciation of her talent. When she was sixteen she left home, having already gained an outstanding technical ability in the representation of flowers, landscapes and portraits. This skill soon led to the creation of artefacts and works in ceramics, while she studied the whole range of techniques in workshops with established masters, from learning to handle clay to the application of pigments and glazes and finally to methods of firing. For some years her interest and work were mainly developed in this sector, and among many other media she has continued to return to it and explore new sides of the art in the following decades, working in leading workshops in Italy, such as the Mazzotti studio at Albisola and the Lorenzini studio in Savona.

In Liguria, where she lived like a daughter in the home of Ansgar Elde (a friend of Asger Jorn), working for almost 20 years in the studio in Savona, she also produced graphic artworks at the renowned Stamperia del Bostrico of Albisola. In the second half of the '80s she made a major and definitive return to painting, in which she brought to fruition some of the advances she had made through experiments with ceramics. In particular, she began to make substantial use of the sign, as an element affecting form or simply to trace contours and impart dynamism to the whole. The most significant development, however, was the conquest of informality in her figuration which placed her in the mainstream of contemporary painting, having first achieved the ability to narrate and "live" above all, and then to transmit those sensations made up of reality and contingent circumstances, but also of experiences and memories that emerge from the depths and are the full expression of her history. This leads to an expressive efficacy which leaves its mark, because it first bewilders the eye and then the mind of the viewer, focusing attention and drawing it into that maelstrom created by colours and vigorous drawing, disorderly in appearance, that distinguishes them.

In her paintings we seem to have to reread, as a distant echo, the experiences of the German Expressionists in the first two decades of the 1900s together with those that were developed after World War II by members of the CoBrA group active in Copenhagen, Brussels and Amsterdam. The use of violent colours with a sharp impact, often reinforced by an incisive sign, characterized the work of the artists of Die Brücke (1906) - Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff and then Emil Nolde and Max Pechstein – who were active in the Dresden area. This was echoed some years later, in a rather different logic aimed at abstraction by the members of Der Blaue Reiter, founded in Munich in 1911 by Franz Marc and Vassily Kandinsky, which also numbered Klee, Macke, Jawlensky, Münter and Werefkin. Social and political tensions and aspirations, together with the quest for an art free from constraints of any kind underlay the foundation of Die Brücke, as well as the development of Der Blaue Reiter. But while the colouring of the former group expressed the artists’ exasperation at  the situation of their time, for the latter it became a medium for open creativity, unshackled by the realistic values of representation. And in primitive sculpture these artists found the tactile transposition of their research and their expressive intentions.

The action of CoBrA took place immediately after the war and therefore also had critical and provocative motives. It used colour, often heavily marked in a decidedly tactile application, as a pregnant mode of expression. The image that resulted, especially in this second phase, though living by implicit references to reality, seems to be trying to detach itself from it and send messages that are more distinctive thanks to the vivacity of their implications rather than their explicit narrative.

If we review Heike Arndt's life it seems almost natural that some of the pressures and modes of expression acquired in those far-off years could have influenced her profound cultural training, eliciting compositional results that are related to those teachers and works. Arndt has travelled through the same places, she has suffered from similar experiences, she has manifestly sought to forge her own powers of expression. Above all, she has looked about her, determined to give voice not only to her own free spirit but also to those who are without a voice. This is why her canvases are peopled by figures who seek their own individuality, escaping, or trying to escape, from constraints and oppression, from subjugation and abuse, figures who are often confused with their settings and whom we can recognize only by a few signs or signals. Also important appear the attitudes of figures who are perhaps barely perceptible. Entangled on themselves in a cocoon, unable to tell whether it is a refuge or a prison, abandoned in a long and inhospitable landscape, embracing other figures in the search for a modicum of warmth, alone among others like the child in Without Words…,  sun in the midst of many people, lost in a landscape in which the anguish of Munch seems to rise while shadows encroach on the countryside. And often the focus of the composition and the thought of the artist is that small child who risks being alone or that woman enclosed in herself who lowers her head and loses her individuality.

Painting, the artist seems to say in her work, is not just colour and design, painting is thought, reflection, protest. Painting is speech ... speech for me and speech for those without a voice, or for those who have lost their voices by shouting without being heard.

But to understand the artist’s commitment more fully, we will return to the exhibition title: Where is Home?

It is not a random title but a title chosen as an appeal. It reflects a meditation which the artist has been engaged in for years and it is the basis on which her work rests. It is a universal question that underpins everyone’s life. It's a question that is not only the physicality of a house, but also the mental aspect of being truly at home (wherever and whatever it is). Even when there is thousands of miles from home you may feel physically and mentally in the right place (at home), because you feel welcome, just as you may feel an abysmal distance while living in a place of which is your exclusive property. Then you realize that, as already mentioned at first, a house is not made up so much of masonry, or walls of mud or tents, as of relations and hence the ability to understand: gestures, language, behaviour. Heike Arndt has experienced all this in her life and she has been exploring it in depth for years, strong in an experience that took her away from where she was born, integrating her into a country other than their own, which has enabled her to travel and meet very different people, cultures and lifestyles. Through these  contacts and the relations that developed from them she finds stimuli and the themes of the art she creates. It is expressed in vivid colours, where red and blue, hot and cold, always prevail, also enhancing the significance of the other presences. The vibrations that arise from contrasts of colour and brushwork, now linear and now enveloping, bring out the continuing dialogue between the artist and the themes she deals with. I believe that there is a direct current running through heart-thought-hand-painting. There is never any sign of blurring or bursts of colour which seem useless, unnecessary, incomprehensible, there are no casual presences, but each element fits into the overall atmosphere with perfect naturalness and merges with it.

So the works the artist creates have lived with her like luggage - the title of a long series of works - meaning as elements of a particular mental baggage which characterizes her being, luggage being made up of memories, symbols, profound acquisitions (social, cultural and familial), and of teachings. Her own exclusive luggage which is unique and acts as a filter through which she interprets reality and events and which becomes fundamental in identifying paths to follow in search of the home in which she will stay for good.

The role of colour, with those veils of paint, sometimes dense, sometimes almost transparent, is undoubtedly important in focusing attention but equally significant and intense is the way she narrates by small signs, by tiny presences, which qualify her graphic work in particular. The various techniques of engraving, which the artist uses with the greatest skill, sometimes in combinations, enable her to modulate the representation, in some cases underscoring and crowding together the images in the manner of the Expressionists, in others working lightly on the figures, almost afraid to disturb them in their simplicity. When they belong to the colourful world of painting, or when they appear in a minor tone in graphics, the figures are represented simply, almost carelessly traced, rather like the way a child might depict them than the kinds of effects we would expect in the work of a painter. The recovery of childhood ingenuousness adds freshness to these paintings of thoughts, these visions in which a small object barely indicated suffices to epitomize a long and complex story. Even more basic - and surprisingly more incisive - are the inks in which the sign is pure language, clear, even hard. They can be seen as the summa of all Arndt’s research and her poetic. Everything is condensed and focused: the colours are sucked into the whiteness and the restraint of her vocabulary makes everything more real and convincing. And even you as you view it cannot remain indifferent.

And always in following this path, with these intentions, in sculpture, the artist confronts space. Here she focuses on two themes: man and movement. Man’s attitudes, dreaming, speaking, hoping, relaxing, waiting, calling ... A man who seems to emerge from out of a sheet of paper, "cut out" of a surface and left free to identify himself and establish his own home as and where he chooses and desires. Man as an individual, almost surprising in Arndt’s life, and who (I believe) could herald a new period where these cut-out men either return to their imaginary sheet or become freely and independently  capable of giving rise to an imaginary and imagined "book", where, in three true dimensions their stories intertwine and their individual homes end up gradually building a town. But those other figures, who do not know whether they are idols or prisoners, seeds or shells, will also have to leave the cocoon in which they are compressed. Enigmatic and intriguing figures derived directly from some of the works painted in China. 

Evident here is the Oriental and almost aristocratic matrix which I seem to find in a popular version in the wagons that make up the other side of the artist's sculptural narration. If there was something mysterious present in the “cocoons” (the title luggage, with its many possible meanings, also returns for them), I must say that even in this parade of wagons - varied, elementary, almost toys - one wonders what their meaning is and where they are leading. Then you realize that their form is designed so that they become the links in a chain and then, perhaps, the artist's intent becomes clear.

I have purposely left to the conclusion the large ceramic dishes whose history, we can say, coincides with Arndt’s life, because ceramic, above all at the start, was a privileged medium of expression. Now this passion for clay to model and then fill with her stories returns occasionally, the same stories that run through her paintings, sculptures and drawings. But she also uses ceramics as a palette of thought on which she leaves impressed the landscapes of her soul, with some overspill into the world of abstraction which culminates in the spiral – a metaphor for life – whose movement towards an interior that tends to an infinitely distant point or to an exterior that aims at an endless dilation, leaves man with the certainty that her going will never end.

italiano
HEIKE ARNDT - Where is home? 

Where is home? Dov’è la casa? Dove mi posso sentire a casa? Dove decido di fermarmi? In queste domande è riassunto un problema esistenziale che probabilmente riguarda molti di noi. Un problema che Heike Arndt ha vissuto profondamente - e probabilmente vive ancora - nella sua storia di artista. Nata e formatasi nella Germania dell’Est, da dove riuscì ad uscire all’età di 21 anni, cinque anni prima della caduta del Muro, l’artista ha fissato una dimora in Danimarca, ma, soprattutto, ha cercato di confrontarsi con il mondo, mediante viaggi e soggiorni di lavoro, in stretto contatto con artigiani e artisti dei vari Paesi che man mano ha visitato (l’Italia, il Belgio, l’Olanda, la Groenlandia, l’Etiopia, gli Stati Uniti, l’America del Sud, la Svezia, la Finlandia, la Spagna e, più recentemente, per 5anni, la Cina), individuando via via luoghi privilegiati dove tornare periodicamente per confrontarsi con tecniche e materiali. La comprensibile inquietudine che caratterizza questo peregrinare, ha però un riferimento certo, una “casa” su cui non esistono dubbi e questa casa, che è un mondo intero, è l’arte. Dentro di essa Arndt si ritrova sempre, quando modella la terracotta ed attende poi gli esiti della cottura e della resa dei pigmenti di colore e degli smalti, quando si confronta direttamente e con grande energia con i colori e i segni della pittura, quando prepara le lastre per le opere grafiche, quando realizza le sue sculture per le fusioni in bronzo.

E’ per questo che l’artista può sentirsi a casa ovunque, pur potendosi considerare donna di frontiera, tra est e ovest, che ha assimilato in sé questi luoghi-non luoghi, entità astratte rese concrete solo dalle esperienze vissute. Donna dai mille luoghi e dai mille incontri, che sull’uomo che accosta calibra la sua esistenza e il suo fare, aperta al confronto nella convinzione che “il rispetto, la tolleranza e l’accettazione dell’altro sono la condizione per superare la differenze culturali oltre ad essere una necessità per sopravvivere in un mondo globalizzato come il nostro”.  Proprio per questo l’opera di Arndt fonda i suoi presupposti nelle relazioni umane. Fondamentale è per lei l’incontro con gli altri, senza alcuna distinzione. Da questi incontri trae sensazioni e suggestioni che si trasformano in segni e colori (o in materia), nella ricerca e nella rappresentazione anche espressiva di approcci, di confronti, di resistenze, di incomprensioni, di prepotenze, di contatti.

La lettura delle situazioni che l’artista fa nelle sue opere è quanto mai attenta e, se anche qualche volta può apparire pesante e aspra, sempre si pone come sollecitazione ad una reazione positiva, nella convinzione che proprio nell’incontro di situazioni (e di persone) differenti si pongono le basi per una nuova produttiva convivenza.

La visione di Arndt nasce da un senso etico e morale profondo e genera in lei una determinazione che ne innerva sia la vita che l’arte e la mette tutti i giorni in contrasto con sé e con il mondo, sospesa e disorientata tra la felicità auspicata per tutti e i problemi che innescano equivoci e conflitti a tutti i livelli.

Le narrazioni che nei dipinti e nelle sculture sono magari appena accennate hanno però in sé la forza di sollecitare il pensiero del fruitore. Più che proporre una risposta, pongono una domanda cui ciascuno è chiamato a rispondere.

L’arte di Arndt ha radici profonde, prende corpo quando non ha ancora dieci anni, nella casa di un nonno che la segue e la stimola, dopo aver apprezzato il suo talento naturale. Quando a sedici anni si allontana da casa, ha già acquisito una buona capacità tecnica nella rappresentazione di fiori,  paesaggi e  ritratti, capacità che trasferisce ben presto nella realizzazione di manufatti e di opere in ceramica, apprendendo in laboratori e presso maestri affermati le tecniche più diverse, dalla manipolazione delle terre all’applicazione dei pigmenti e degli smalti, infine alle modalità di cottura. Per alcuni anni l’attenzione e l’operatività prevalente dell’artista si sviluppano in questo ambito - che fra l’altro lei ritrova e rilancia anche nei decenni successivi, lavorando fra l’altro anche in importanti laboratori italiani come lo studio Mazzotti ad Albisola e lo studio Lorenzini a Savona. In Liguria, dove vive come una figlia nella casa di Ansgar Elde (amico di Asger Jorn) lavorando per quasi 20 anni nel suo studio a Savona, realizza anche opere grafiche presso la rinomata Stamperia del Bostrico di Albisola. Nella seconda metà degli anni ‘80 torna prepotente e definitiva la pittura, in cui l’artista mette a frutto alcune delle acquisizioni fatte nelle sperimentazioni con la ceramica. In particolare diventa sostanziale l’uso del segno, come elemento che incide la figura o ne traccia semplicemente i contorni e attribuisce dinamismo all’insieme. Soprattutto, però, è significativa la conquista di una informalità di figurazione che inserisce la sua pittura nella piena contemporaneità, ottenendo insieme la possibilità di raccontare e quella di “vivere” innanzitutto e poi di trasmettere quelle sensazioni fatte di realtà e situazioni contingenti, ma anche di esperienze e memorie che emergono dal profondo e sono espressione piena della sua storia. Ciò porta ad una efficacia espressiva che lascia il segno, perché disorienta prima l’occhio e poi la mente di chi guarda, richiamando l’attenzione e inserendola in quel gorgo generato dai colori e dalla vigorosa stesura, disordinata in apparenza, che li caratterizza.

Dentro la sua pittura par di dover rileggere da una parte, come eco lontana, le esperienze condotte degli espressionisti tedeschi nei primi due decenni del ‘900 e dall’altra quelle sviluppate  nell’immediato secondo dopoguerra dagli esponenti del gruppo CoBrA attivi tra Copenhagen, Bruxelles e Amsterdam. L’uso di colori violenti dall’impatto sicuro, rinforzati spesso anche da un segno grafico incisivo, caratterizzò i lavori degli artisti di Die Brücke (1906) - Ernst-Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff e poi Emil Nolde e Max Pechstein - operanti nei dintorni di Dresda, cui fecero eco qualche anno più tardi, in una logica un poco diversa e indirizzata sulla via dell’astrazione i componenti di Der Blaue Reiter (Il Cavaliere azzurro), fondato a Monaco di Baviera nel 1911 da Franz Marc e Vassily Kandinsky, cui aderirono anche anche Klee, Macke, Jawlensky, Münter, Werefkin. Tensioni e aspirazioni di carattere sociale e politico, assieme alla ricerca di un’arte libera da condizionamenti di qualunque genere, sono alla base della nascita di Die Brücke, così come dello sviluppo del Cavaliere azzurro. Mentre però il colore per i primi esprime l’esasperazione dell’artista verso la situazione del suo tempo, per i secondi esso diventerà strumento di creazione aperta, al di là delle valenze realistiche della rappresentazione.  E nella scultura primitiva questi artisti ritrovano la trasposizione plastica delle loro ricerche e dei loro propositi espressivi.

Anche l’azione dei CoBrA, che si situa subito dopo la fine della guerra e ha quindi, pure, motivazioni critiche e di provocazione, assume il colore, spesso fortemente marcato in una stesura decisamente materica, come momento pregnante dell’espressione. L’immagine che ne nasce, soprattutto in questa seconda fase, pur vivendo di impliciti riferimenti al reale, sembra volersi distaccare da esso e promuovere messaggi che si fanno percepibili più grazie alla vivacità  delle suggestioni che all’esplicito racconto.

Andando a rivisitare la vita di Heike Arndt sembra quasi naturale che alcune delle sollecitazioni e delle modalità espressive maturate in anni così lontani possano averne contaminato la cultura profonda sollecitando esiti compositivi che rimandano a quei maestri e a quelle opere. La Arndt ha percorso gli stessi luoghi, ha sofferto situazioni analoghe, ha cercato in modo manifesto una propria e autonoma possibilità d’espressione. Soprattutto ha guardato attorno a sé, intenzionata a dar voce non solo al proprio spirito libero, ma anche a quanti non hanno voce. Per cui ecco che le sue tele si popolano di figure che cercano una propria individualità, sottraendosi, o cercando di farlo, a vincoli e oppressioni, a sopraffazioni e abusi, figure che spesso si confondono con l’ambiente e che solo pochi segni o segnali permettono di riconoscere. Importanti inoltre appaiono gli atteggiamenti di figure magari appena individuabili. Aggrovigliate su se stesse dentro un bozzolo che non sai se è rifugio e prigione, abbandonate in un paesaggio lungo e inospitale, abbracciate ad altre figure nella ricerca di un briciolo di calore, in solitudine in mezzo agli altri come il bambino di Without words…, sole in mezzo a tanta gente, sperdute in un paesaggio in cui sembrano sorgere le angosce di Munch mentre le ombre invadono la  campagna. E spesso il fulcro della composizione e del pensiero dell’artista è quel piccolo bambino che rischia di rimanere solo o quella donna che si chiude in se stessa, che abbassa il capo, che perde la propria individualità.

La pittura – sembra dire l’artista con i suoi lavori – non è solo colore e disegno, la pittura è pensiero, è riflessione, è denuncia. La pittura è voce… Voce per me e voce per quanti non hanno voce o per quelli che la voce hanno perso a furia di gridare senza essere ascoltati.

Ma per capire meglio l’impegno dell’artista torniamo al titolo della mostra: where is home?

Non è un titolo a caso, un titolo scelto come richiamo. Rispecchia una riflessione che da anni l’artista si pone e sulla base della quale declina il suo lavoro. E’ una domanda universale sulla quale si gioca la vita di tutti gli uomini. E’ una richiesta che attiene non solo la fisicità di una casa, ma anche l’aspetto mentale dell’essere veramente a casa (dovunque e comunque si sia). Anche quando ci si trova a migliaia di chilometri dalla casa fisica ci si può sentire mentalmente al posto giusto (a casa), perché ci si sente accolti, così come si può percepire una lontananza abissale pur vivendo in un luogo di propria esclusiva proprietà. Allora ci si rende conto che, come già accennato in apertura, la casa non è fatta tanto dai muri, piuttosto che dalle pareti di fango o dalle tende, quanto dalle relazioni e quindi dalla capacità di comprendere: i gesti, la lingua, i comportamenti. Heike Arndt tutto questo lo vive nella vita e lo elabora nel profondo da anni, forte anche di un’esperienza che l’ha condotta lontano da dove è nata, che l’ha integrata in un Paese diverso dal proprio, che le ha consentito di viaggiare e di confrontarsi con gente, culture e modi di vita estremamente diversi. In questi contatti e negli scambi che ne conseguono  trova stimoli e temi del suo fare arte. Che si esprime nella vivacità dei colori, dove prevalgono sempre rosso e blu, caldo e freddo, che danno anche senso alle altre presenze. Le vibrazioni che nascono dai contrasti di colore e dalle pennellate, ora lineari ora avvolgenti, sottolineano il dialogo costante tra l’artista e il tema trattato. Credo che la trasmissione cuore-pensiero-mano-tela sia diretta: non ci sono mai sbavature o colpi di colore che senti inutili, superflui, incomprensibili, non ci sono presenze casuali, ma piuttosto ogni elemento si inserisce nell’atmosfera complessiva integrandovisi con naturalità.

Così le opere che l’artista realizza sono vissute da lei stessa come luggage - è questo il titolo di una lunga serie di lavori - cioè come elementi di un bagaglio soprattutto mentale che connota il suo essere, di un bagaglio fatto di memorie, di simboli, di acquisizioni profonde (sociali, culturali, familiari), di insegnamenti. Un bagaglio suo proprio ed esclusivo, che funge da filtro attraverso cui interpretare la realtà e gli avvenimenti e che diventa fondamentale nell’individuare i percorsi da seguire nella ricerca di quella casa in cui definitivamente stare.

Il ruolo del colore, con quelle stesure a volte dense, a volte quasi trasparenti, è indubbiamente importante nel sollecitare l’attenzione, ma altrettanto significante e intenso è quel narrare per piccoli segni, per minime presenze, che qualifica in modo particolare l’opera grafica di Arndt. Le varie tecniche dell’incisione, che l’artista sa gestire con maestria, anche in abbinamento tra loro, le permettono di modulare la rappresentazione, ora insistendo e affastellando le immagini alla maniera espressionista, ora operando con leggerezza sulle figure, quasi timorosa di disturbarle nella loro ingenuità. Sia quando appartengono al mondo colorato della pittura, sia quando compaiono in tono minore nella grafica, i suoi personaggi si presentano nella semplicità, tracciati quasi con noncuranza, più prossimi alla descrizione che di essi può fare un bambino che ai risultati cui può condurre l’attenzione di un pittore. Proprio il recupero della ingenuità dell’infanzia aggiunge ulteriore freschezza a questi pensieri dipinti, a queste visioni dove basta il piccolo oggetto appena accennato a riassumere una lunga e complessa storia. Ancor più elementari – e, sorprendentemente, più incisivi – sono gli inchiostri in cui il segno è linguaggio puro, pulito, anche duro. Essi possono considerarsi la summa di tutta la ricerca e della poetica di Arndt. Tutto si condensa e si concentra: i colori sono risucchiati nel bianco e la sobrietà del linguaggio rende ogni cosa più vera e convincente. E anche tu che guardi non puoi rimanere indifferente.

E sempre su questo percorso, con questi intenti, con la scultura l’artista si confronta anche lo spazio. E qui si concentra su due temi: l’uomo e il movimento. Gli atteggiamenti dell’uomo: che sogna, che parla, che spera, che si rilassa, che aspetta, che chiama… Un uomo che sembra uscire da un foglio, “ritagliato” da una superficie e lasciato libero di identificarsi e di fondare da sé la propria casa come crede e dove vuole. L’uomo nella individualità, che quasi sorprende nella vita di Arndt, e che credo debba preludere ad una nuova stagione plastica dove questi uomini ritagliati o torneranno nel foglio immaginario o diventeranno – liberi e autonomi – capaci di dar corpo a un “libro” immaginario e immaginato, dove, nelle tre vere dimensioni, le storie loro si intreccino e le loro singole case finiscano piano piano per costruire un paese. Ma dovranno uscire dal bozzolo in cui sono compressi anche quegli altri personaggi, che non sai se sono idoli e prigionieri, semi o proiettili. Figure enigmatiche e intriganti che deriva in modo diretto da alcune delle opere dipinte in Cina. Evidente è la matrice orientale, qui aristocratica, che mi sembra di trovare, in versione popolare, nei carri che costituiscono l’altro fronte della narrazione plastica dell’artista. Se un che di mistero era presente nei “bozzoli” (torna anche per essi il titolo luggage-bagaglio con le sue innumerevoli e possibili accezioni), devo dire che anche in questa sfilata di carri – diversi, elementari, quasi giocattolo – viene da chiedersi che senso abbiano e dove portino. Poi ti accorgi che la loro conformazione è predisposta perché diventino gli anelli di una catena e allora, forse, l’intento dell’artista diventa chiaro.

Ho volutamente lasciato per la conclusione i grandi piatti in ceramica la cui storia, potremmo dire coincide con la vita di Arndt, perché la ceramica ha costituito soprattutto all’inizio un mezzo privilegiato di espressione. Ora torna, ogni tanto, questa passione per la terra da plasmare e poi da riempire delle proprie storie, le stesse che passano attraverso quadri, sculture e disegni, ma anche da usare come tavolozza del pensiero che vi lascia impresso paesaggi dell’anima, con qualche sconfinamento nel mondo dell’astrazione, che ha il suo culmine in quella spirale – metafora della vita – la cui percorrenza, verso un interno che tende ad un punto infinitamente lontano o verso un esterno che mira ad una dilatazione infinita, lascia all’uomo la certezza che comunque il suo andare non avrà mai fine.